Gimme Shelter de Albert and David Maysles

Sexo, Alcohol, Drogas y Rock &  Roll wooow gente dice y piensa que esta frase es y ha sido una de las mejores frases y épocas de la historia, aunque a mi se me hace tan estúpido por una parte cada quien su opinión sobre esto pero en mi caso yo prefiero mil veces ver un típico concierto de X cantante envés de tener que estar viendo a esos artistas que solo son felices por el abuso de estas drogas y eso.

(lo siento a mi no me gusta nada su música ni me gusto el documental, me pareció realmente aburrido)

El documental de Gimme Shelter de los hermanos Maysles trata solo la historia de un concierto al aire libre en un estilo de direct cinema, es por una parte interesante que en total se hayan utilizado 22 cámaras y cada una de ellas estaba jugando el papel de estar solo ahí, filmando los sucesos que estaban pasando  en este concierto y utilizando la técnica de filmar los detalles , ya saben la gente drogadisima haciendo mil estupideces, a los artistas en sus peores momentos, 

a los Hell´s Angels golpeando y haciendo mil estupideces sin tener el control en absoluto; Casi todo lo registrado por las cámaras se filmo por cámara en mano y steady cam.

Creo que el documental no tenia una historia en principal fuera de filmar un concierto, aunque con los sucesos que pasaron en el concierto los hermanos Maysles le pudieron dar un cambio y meter una pequeña sub-historia dentro de este.

Historia de un mal suceso que paso durante el concierto:

Altamont es el mal rollo. Altamont es el fin de los años 60, tipificado en los palos de billar con los que los Hell’s Angels agreden a los peaceniks que fueron a ver el festival. Esa inocencia, aquel sueño hippie de paz y amor, termina en Altamont, acuchillado por grasientos Ángeles del Infierno y dinamitado en la distancia por Vietnam. Aunque Gimme Shelter es una fabulosa panorámica de la gira de 1969 de los Stones por los USA, aunque se suceden los momentos espectaculares (Keith Richards escuchando por primera vez “Wild horses”, las hilarantes ruedas de prensa, los conciertos) es Altamont el cénit y personal sitio oscuro de este celebrado documental de Albert Maysles. Altamont, donde un Mick Jagger más desconectado que nunca pide que la gente “se enrolle” mientras el servicio de seguridad criminal acuchilla a un chico negro en primera fila. Altamont, donde los Hell’s Angels interrumpen el concierto de Jefferson Airplane y toman el escenario para amenazar al grupo. Altamont, todo el mal karma de una década almacenado hecho festival rock, y un documental bravo.

Reassamblage Trinh T. Minh Ha

Trinh T. Minh Ha.

“Para mí la cuestión de la hibridación y de las culturas nunca ha sido una cuestión de cancelar las fronteras. Los seres humanos estamos constantemente inventando fronteras, y estas fronteras, que pueden ser políticas, estratégicas o tácticas, no deben ser tomadas como un fin en sí mismas. La idea del nomadismo alcanza nuevo ímpetu en nuestros tiempos. El ser dislocado o en constante reinvención es el mejor argumento para explicar los cambios y las fracturas en la construcción y destrucción de las identidades, y por ello, se hacen necesarias las fronteras móviles. Se trata de cambiar las fronteras y los límites en cuanto éstos empiezan a convertirse en limitaciones para nosotros” [1].

Trinh T. Minh Ha creo un documental muy extraño y con un desoren total el cual es considerado como uno de los iconos del cine ¨documental ortro¨ mientras que tambien puede ser considerado como documental antropologico comparativo, etnocentrico, primitivo y tambien utiliza una fragmentación continua (imagen, sonido, discurso) aunque todo desordenado ya que el audio no encaja con la imagen y hay jum cuts de la imagen todo el tiempo, lenguaje textual y visual abierto con múltiples repeticiones, close ups feos de la mujer y utiliza silencios continuos y sonidos cuando no deberían de ir, un desorden total ya que el hilo conductor se pierde desde el principio.

Este documental es toda via mas extraño por que los documentales etnográficos son: convencionales, didácticos y educativos ; Y no que en este documental hay un desorden total y una falta de respeto y orden a los principios de los documentales etnográficos.

 Minh-ha utiliza  distintas formas de escritura, de narrativas: lo poético y lo teórico en la estructura de su documental. Su discurso textual prefiere el fragmento.Reassemblage, por ejemplo, se sirve de primeros planos, de cambios en la forma de registrar y comentar, de “repeticiones” de frases claves. Discontinuidad, fragmentación y collage. Las repeticiones verbales en los filmes de Trinh T. no son repeticiones exactas que fijan el significado de la imagen, sino todo lo contrario. En la “repetición” se cambia una palabra, una entonación, la sintaxis de la frase, transformando el significado de laimagen en inestable y polisémico.

 

Con su estructura de documental diferente Minh Ha. nos hace ponernos a pensar en diferentes cosas por medio de una manera inconsciente como ¿quienes son?, ¿que pensamos o como cambia nuestra manera de ver a una cultura después de haber visto un documental etnográfico?, ¿que tan real es su documental? y ¿que representa el cuerpo de

 una mujer?; Pues después de haber estudiado y analizado este extraño documental puedo deducir que T. Minh Ha. nos presenta otro lado de las mujeres el cual no se nos presenta muy seguido, ella pone en claro que lo que esta exponiendo no es verdad y que las mujeres de esta cultura no son así, juega irónicamente con la parte oculta de un documental , muestra un gran rechazo por explicar o entender la cultura y lo que muestra es lo que ella quiere que veamos, presenta realidad sin naturalidad y nos da la opción de creer y pensar lo que queramos después de  haber visto este documental.

Utiliza la camara como depredador atacando y tratando de tomar y robar todos los momentos que ella quiere, no muestra un respeto entre las mujeres de esta cultura y lo que ella quiere mostrar. 

Dead Birds / Robert Gardner

Robert Gardner es un  legendario antropólogo y un gran cineasta estadounidense, su estilo de documental ha sido muy importante en el cine etnográficos , sus películas más importantes son : "Dead Birds" (1964), "Rivers of Sand" (1974) y "Forest of Bliss" (1986)estos documentales  se han convertido en grandes clásicos del cine de no-ficción. Gardner  ha realizado muchísimas  películas sobre pueblos y tribus indígenas en todo el mundo,también  ha dirigido varios filmes sobre grandes artistas como Mark Tobey, Sean Scully y Octavio Paz; Tambien  fue conductor por varios años del programa de televisión "Screening Room"el cual trataba  sobre cine y artes diversas.Gardner fue el primer profesor de cine en la Universidad de Harvard, fundador en 1963 y luego director por varios años del Film Study Center de esa universidad, y es autor de varios libros con aportaciones significativas al campo de la etnología y la antropología visual, como "The Impulse to Preserve" y "Gardens of War".

Las películas de Gardner han sido muy importantes   en la historia de la antropología y en la historia del cine documental antropológico  visual y etnográfico, ya que el crea una estética visual de lo  antropológico.  Dead Birds es un filme que trata sobre las actividades de los  dani: la guerra. Nos muestra la semejanza entre lo complementario y lo contradictorio de la guerra exponiendonos  la semejanza y extrañeza de esta;  Los guerreros combaten a otros guerreros, es decir, luchan contra hombres que son sus iguales pero que pertenecen a una sociedad extraña.

 La cámara  de Robert Gardner mira con precisión y transmite sentimientos.

Gardner muestra su visión solo por la imagen, no acude a ninguna demostración ni explicación verbal, aunque crea una gran conexión entre lo visual y el expectador.

The Moral Nature of Film

Robert Gardner

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Media Credit: Susan Meiselas(Magnum) Pua (the boy of DEAD BIRDS in 1961) greeting Gardner in 1989

I propose that, in film's very nature, somewhere embedded in its formal attributes as a mediator of the phenomenal world, there arises a capacity for evoking moral responses in those who come in contact with it.

By "those," I include at least three categories of people: those who make films, those who see them and those about whom films are made.

All, I submit, are morally implicated in film's manifest nature. Filmmakers must deal with the meaning of their actions as image creators; viewers are required to employ their sensibilities to deal with the meaning of the imagery they confront; and those whose behavior is scrutinized by film are, whether willing or unwilling, sophisticated or unsophisticated, accomplices in the filmmaking process and so affected by ethical considerations stemming from their involvement in that process.

I use the word moral a little the way forerunners of the discipline of anthropology in the 18th century who called themselves moral philosophers used it in their speculations about the nature of man. In the hope that it is not too great an indulgence, I will ask you to accept my using this terminology to define the tendency shown by people, everywhere, to give value to all aspects of their experience. Whatever people do, whether trivial or immense, is subject to an unrelenting process of judgment: things are good or bad, funny or dull, sympathetic or thoughtless. Language, I was told in school, is the hallmark of humanity (although erect posture competed for this accolade in the judgment of my more scientific professors) and a highly evolved aspect of language is its richness in adjectives, in words that qualitatively describe both the real and imaginary world. What I wish to convey by using the word "moral" is no more or less than that we, as human beings, are continually judging as we go through life. 

In linking the idea of being moral with the phenomenon of film, I am trying to draw attention to something that has, for me, a kind of inevitability. Just as behavior encountered in terms of its own actuality evokes valuation on the part of those who experience it, behavior manifested-literally made visible and evident-in the language of film has the capacity, the inevitability, of eliciting the same response. To the extent this happens, life and film are analogous, they share properties in a way that permits one to say film has a moral dimension. It appeals to our moral faculties by requiring us to judge what we see.

Why and how does film do this? I venture that it is connected with the most fundamental business of all: survival. This is to say that being able to be moral is an adaptive faculty, especially in the face of the dilemmas arising from human experience. As people, we perhaps know things we shouldn't know and feel things we might live more comfortably by not feeling them. Perhaps our capacity for morally processing experience is really a way of dealing with whatever comes up. In so far as film is able to model life, it can be said to engage us in the same way. I am willing to step further into this metaphysical thicket and suggest that film has a way of heightening the life it portrays owing to the kind of mediation it performs. Film is not simply a mirror recording our physicality but a medium achieving a transfiguration of our ordinariness.

In my own work I have frequently thought that looking closely at lives utterly different from my own held both danger and a kind of promise. The danger was, and always is, in the possibility of the bizarre or exotic distracting and overwhelming the senses so that the human significance of what I saw and photographed was overwhelmed or beclouded by difference. The promise seems to be that, in worlds as apparently different from my own as for example the Dani of New Guinea, the Hamar of Ethiopia or the Bororo of Niger, I would be released from the familiarity and monotony, the white noise, of my own cultural surroundings, and see with a clarity of innocence an entirely believable humanity in the unfamiliar. In other words, film experience is a mediation that allows a coming to one's senses through, paradoxically, its ability to alienate or "strangify," to bring about what Erik Erikson called "distantiation." Wearing a hollow gourd to cover your penis is pretty curious haberdashery but it is also the only garment Dani men ever wore. Only the most radical cultural relativism would permit anyone to think them ordinary. 

I remember, 20 years ago, worrying that this detail of apparel would deny whomever saw it the realness of the man or boy who wore it. I also worried that photographing the painful amputation of the joints of women's and girls' fingers during funeral ceremonies would disallow the act of empathy, which was so much more important to me than mere shock or surprise. In any case, the moral dimension of which I speak simply requires me to use film in such a way as to portray Dani men as whole and believable, not as perpetrators of some sartorial obscenity. On my film, they must evidence the same dignity I accord my own blood brother. (The National Geographic has explained to me that they would only be able to use still photographs in which penis sheaths were not seen or could be air brushed away. This sort of image dry cleaning is something their layout department frequently did to eliminate suggestive aspects of the human anatomy except, of course, the naked female breast, the trope that guaranteed the Geographic's popularity over the years.)

I felt that showing the custom or ritual of chopping off parts of little girls' fingers when their close male relatives were killed in warfare could easily elicit both disgust and horror. The Dani could be dismissed as barbarous, even subhuman perpetrators of unnecessary pain. The ethical dilemma was to find a way to portray the behavior yet avoid the consequences of stimulating the wrong moral response of outrage. I never felt that because the Dani wore penis sheaths and chopped off little girls' fingers they were either good or bad, per se. My purpose was to find a way to present these and a myriad other frequently odd bits of behavior in a manner that would allow anyone seeing them to exercise his or her own judgment as to their value and meaning. I had to present my evidence, so to speak, by choosing images that viewers could and would process using their powers of moral reasoning.

These issues have, I think, both a general and specific significance. For me as an image maker in a stone age New Guinea society there was the question of when, how, and why to use my camera. Another question would come up when I edited the film about when, how, and why to include a particular shot or sequence of shots. The more general questions are about such concerns as my role as a filmmaker in relation to the Dani, as well as to an audience in my own culture. Such a question is implicit in the contrast between being a "picture taker" or an "image giver." It is curious-or perhaps not curious at all-that in Western cultures the photographic act is often described as "taking-a-picture." The language is aggressive and possessive. It implies stealth and that the result is a loss caused by an act of thievery. We have all seen this meaning. In other words we have all exercised our moral judgment in instances where such is the nature of the relation between picture maker and subject. 

Pornography is an example. There are all kinds of pornography-even "ethnoporn"-where filmmakers betray their subject in exploitative picture "taking." The answer or solution isnot to give the cameras to the subject and with appropriate breast-beating ask them to make the decision for you. Nor is the answer to bring enough film to permit the camera to run without stopping in the hope of making no choices by including everything. To show a house being built in real time is only to see how long it takes to build a house; it does not say anything, necessarily, about the house-why it is shaped the way it is, who lives in it and especially not what the concept of shelter means.

There is no single answer. There are only the right kinds of questions and the possibility of "image giving," the opportunity to invent a pictorial answer that is faithful to the actuality and to the "image givers'" response to that actuality. It is this endeavor upon which all that I have been saying depends-if the moral dimension, the capability, of film is to be of lasting benefit. 

The word "moral" has a solemn and sometimes negative connotation. It suggests all too often a mixture of righteous and narrow-mindedness. This is the last thing that I would want my use of this word to suggest. In this brief discussion I have wanted only to show that in its proclivity for calling upon our moral natures, film is demonstrating its capacity to reinvent life. When this happens, art is born and so is some fragment of human awareness. It is to this end that our skills as artists, scientists and all other kinds of questing people should always be addressed.

Robert Gardner was the Director of the Film Study Center at Harvard University from 1957 to 1997, and is an internationally known and award-winning non-fiction filmmaker and author. In its original form this article was delivered as a speech at Washington State University in 1980. Gardner's E-mail address is gardner@fas.harvard.edu

Nanook

Nanook es un documental antropologico muy interesante ya que su contenido es super extenso y habla sobre diferentes cosas de la vida cotidiana de lo que seria la vida de un esquimal en tiempos pasados; Este documental fue filmado en la region nororiental de la Bahia Hudson. Podria afirmar que Robert Flaherty logro crear un perfeto y nuevo estilo de documental enografico ya que muchas de las situaciones que los esquimales tienen que afrontar para sobrevivir, Flaherty tambien las tuvo que experimentar para poer realizar este gran documental ya que no solo lo filmo y realizo una obra de arte, sino que realmente entenio como es o era el funcionamiento de su vida y su cultura entre otras muchas cosas.

Nanook la creacion de Flaherty no solo expone como es el funcionamiento de una cultura sino que atraves de una tecnica llamada camara idealista nos muestra la lucha que estos esquimales tienen que afrontar en un estado natural y verdadero, exponiendonos que sin importar quienes seamos o de donde venimos, siempre tenemos que luchar ya que somos victimas de diferentes situaciones y sino las afrontamos no sobreviviremos; Flaherty utiliza diferentes medios para contar la historia, utiliza tomas largas en donde podemos apreiar paisajes inreibles de esta region, nos presenta a los personajes en su habitad natural y nos va contando la historia mediante notas narrativas, música y otros factores los cuales nos ayudan a poder seguir el hilo conductor de el documental.

Nanook es un esquimal el cual nos cuenta la historia de lo difícil que es sobreviviren este lugar, ya que para el y para su familia no es nada fácil poder resistir los extremosos fríos, las dificultades que tienen que pasar a diario para poder comer, sobrevivir a la soledad extrema ya que ellos se encuentran casi, casi en medio de la nada, la complejidad de sus relaciones ya que siempre tienen que estar juntos o no sobrevivirían, entre otras cosas.

Me parece muy interesante que aunque algunas de las cosas que pude observar en este documental son falsas, Flaherty nos lleva a un mundo inexistente sobre unos esquimales los cuales nos cuentan la historia de una cultura, sin embargo existen algunos momentos en el documental donde nosotros como espectadores nos podemos dar cuenta de la falsedad de esos momentos ya que dentro de este se utilizan sets ( como el Igloo) y podemos deducir desde el principio del documental de que los esquimales sabian de la existencia de lo que era y de que una camara los estaba filmando ya que desde el inicio podemos observar momentos en los cuales las actitudes de Nanook y su familia son irreales y tambien exageradas  tambien momentos en los que volteaban a ver a la camara como enfrentandola y diciendo "dejame de ver," sin embrago Nanook es un documental muy interesante el cual marco a una cultura ensenandonos como eran, su modo de comportarse y marco algo importante para nuestra historia ya que con este documental podremos visualizar algo que ya no podremos ver nunca mas.      

Aqui les muestro un fragmento de este doumental, el cual podria decir que fue una de mis partes favoritas:

Despues de este gran documental el cual creo un nuevo esitlo de documental antropologico, cineastas empezaron a interesarse por este estilo aqui les expongo dos fragmentos de unos documentales exelentes los cuales tienen algo de parecido con el documental de Flaherty.

- el primero es del aclamado cinesta Werner Herzog llamado "Burden of Dreams"

- el segundo es de Bill Mason llamado Paddle To The Sea"

los mestros locos, jaguar

  Los maestros locos de Jean Rouch es un documental diferente pero muy interesante, ya que muestra la practica de rituales de una secta religiosa . Jean Rouch al hacer este documental modifico el cine Frances ya que al hacerlo modifico y desafío la forma y los parámetros de los documentales y del cine etnográfico, por medio de diferentes juegos ficticios, creando una idealización extraña de cual era el comportamiento de los Africanos en ese entones, y al mismo tiempo criticando mediante un ritual la colonización de los Franceses, jugando con las reglas, y dandole un trance invariable a los estilos de documentales.

Rouch dice "mis películas no se deben de analizar; Si haces teorías sobre mis películas, empiezas a perder." Según yo a lo que se estaba refieriendo Rouch es que el no tiene un estilo lineal, sino que juega y experimenta para crear algo nuevo e innovador; En este documental podemos observar una cámara la cual cambia de esencia dependiendo de la situación, utilizando recursos como cámara en mano, una cámara participante, técnicas como cámara-trance-ojo, ojo-trance-cámara, siempre y cuando sincronizando la imagen con el sonido y voz en off para crear algo toda vía mas fuerte hacia el publico (nosotros los espectadores)y tambien mezclando imágenes reales con ficticias.

 Los participantes de este ritual son participes del culto (Hauka)(movimiento de ritica) quienes son  trabajadores de las regiones de Nigger llegados a Acra, la capital de Ghana . El ritual que emplazan es algo extraño ya que son múltiple acciones y actitudes las que desempeñan como rituales de posesión y un desafío hacia la sociedad Francesa; Al inicio del ritual el  sacerdote Montbyeba comienza a trastornarse en otra persona, dejando entrar en si mismo un espíritu, dando señales de babas abundantes, temblores excesivos, respiración jadeante, estos  son los signos de la llegada de los "genios de la fuerza."

El ritual no solo se basa en que espíritus los posean sino que también es una critica ya que cada uno de los papeles que los participes de este ritual toman son:  colonizadores , funcionarios, comandantes, militares entre otros (todos del gobierno Frances).

Si no me equivoco creo que Rouch estaba por una parte representando el enojo y el odio de los Africanos hacia los Franceses, aunque el resultado final no fue solo hacer un documental super fuerte que enloqueciera a los Franceses, sino que creo un documental imposible de ver tanto para los Franceses como para los Africanos (ya que ellos al verlo entraban en trance).

En mi opinión este documental es super fuerte ya que es muy crudo y evasivo ya que todas las imágenes juntas como que sentí que me estaban atacando todo el tiempo, sin embargo creo que esta excesivamente bien hecho y esta impresionante.

Les presento una pequeña parte del documental 

Jaguar

En primera este documental a comparación del pasado no tiene nada que ver.

Three young men from the Savannah of Niger leave their homeland to seek wealth and adventure on the coast and in the cities of Ghana. This film is the story of their travels, their encounters along the way, their experiences in Accra and Kumasi, and, after three months, their return to their families and friends at home. The film is part documentary, part fiction, and part reflective commentary. There was no portable sound synchronized equipment in the early 1950s when Jaguar was shot. Instead, Rouch had the main characters (his friends and "accomplices") improvise a narrative while they viewed the film, which was itself improvized along the way. The resulting soundtrack consists of remembered dialogue, of joking and exclamations, of questions and explanations about the action on the screen.

Short-term, rural migration to the cities is common to much of contemporary Africa. Here we meet Lam the herdsman, Illo the fisherman and Damoure, their unsettled but literate friend. The three trek for more than a month south through Dahomey to Ghana, crossing the land of the Somba people (whose nudity shocks them), eating coconuts "more delicious than cheese," and delighting in the ocean with its waves and starfish. Eventually they part ways. Damoure and Illo go to Accra and Lam to Kumasi, where they find jobs as dockworker, foreman for a lumberman, and cattleherder for a city butcher. Having made their separate journeys, they meet again in Kumasi with a fourth friend, and set up an open-air stall, Petit a Petit, in which they hawk everything from alarm clocks to pictures of Queen Elizabeth.

Financially successful but homesick, the friends decide to leave the excitement, turmoil and bewildering complexity of the city to return home to Niger before the rains. Lam rejoins his herd, enriched with a new umbrella and a lance; Illo, "magician of the river," catches a hippo and distributes everything he has brought from his journey to his family; and Damoure admires anew the beauty of Niger women.

Yet although life in the village resumes as usual, Illo, Lam and Damoure have been "jaguars" in the city: sophisticated "keen young men" with fancy hairdos, cigarettes, sunglasses, money, and knowledge of the urban world. The film raises, but does not answer, questions about the meaning of this experience and the transformations it may entail in the lives of the returned youths. Jaguar, Thomas Beidelman has written, "does succeed in catch ing the flavor of what it must be like to pass to and from a modern city and a rural village in Africa . . . Jaguar could be an eloquent document on the process of social change."

The flavor, it might be added, is very gay. Rouch has pointed out that Jaguar does not attempt to reveal the misery and pain of the annual migration, or the boredom of village life in the dry season (eight months of the year) when young men, no longer warriors as in the past, have nothing to do. Few men, in actuality, become "jaguars" in the carefree style of Damoure, Lam, and Illo. For most, the city is a struggle. Yet jaguar is nonetheless a vivid portrayal of the ideal of migration, a fantasy imparted through the improvised actions and spirited commentary of the characters. In this film Rouch has developed a form one might call "ethnographic fantasy," with an authenticity and reality as important, although quite different, from that of Rouch's own monograph on rural migration to Accra.

link\

http://images.google.com/imgres?imgurl=http://www.der.org/films/images/jean-rouch-filming.jpeg&imgrefurl=http://www.der.org/films/jaguar.html&usg=__m-NePYpgMp3lkjVUxINdEGtkClM=&h=324&w=271&sz=16&hl=es&start=2&tbnid=bT5PU3sQBEtcNM:&tbnh=118&tbnw=99&prev=/images%3Fq%3Djean%2Brouch%2Bjaguar%26gbv%3D1%26hl%3Des%26client%3Dsafari%26rls%3Des%26sa%3DG%26um%3D1&um=1

Jaguar es un documental muy interesante nos cuenta una historia la cual podría decir que es lineal por que va paso por paso desde el principio hasta el final;

Jean Rouch en este documental combina una cámara viviente y personalizada (la cámara-ojo) con una metodología participativa.

Se podría decir que Jaguar es considerado como un documental de "Antropología de preservaron" o "ethno-fiction"en donde básicamente combina la escenografía con la puesta en escena de la realidad; Rouch no pretende captar la realidad tal como es; sino provocarla para conseguir otro tipo de realidad, la realidad cinematográfica: la verdad es ficción.

Como conclusión puedo afirmar que en la historia de los Documentales, Jean Rouch creo y evoluciono nuevas técnicas y metodos que serán y seguirán siendo utilizados por siempre.

Canibal Tours

Canibal Tours es una obra de arte total.

 "There is nothing so strange in a strange land, as the stranger who comes to visit it."

 

Dennis O´Rourke

Realizo documentales porque creo que el cine que sirve para revelar, celebrar e iluminar la condicion del espiritu humano y no para trivializarlo o rebajarlo.¨

Este documental es completamente diferente a los documentales etnocentricos ya que no tiene ni una interrupción de discurso y su estilo es neutro ya que su enfoque cinematográfico en este documental es totalmente diferente, ya que el estilo de su cámara no esta de un lado (de los turistas) ni del otro (de los nativos), a lo que me refiero es que juega con un punto de vista doble haciendo que su cámara sea neutra y no se haga presencia de que esta  ahí ya que lo que se nos muestra es tan interesante que perdemos el hilo de que la cámara esta ahi.

Dennis O´Rourke se burla completamente de los Europeos mientras que al mismo tiempo también se burla de los supuestamente nativos Africanos , ya que supuestamente los Europeos piensan que los nativos no tienen idea de quienes son o de donde vienen y los van a visitar, sin embrago los nativos tienen idea de quienes son y saben que tienen que disfrazarse y actuar como algo que ya no son para que ellos les den dinero; los turistas reales son personajes inventados que nos revelan la manera que la sociedad nos hace actuar ya que por la presión social tenemos que actuar y comportarnos de maneras definidas, los personajes pierden su autenticidad y se convierten en personajes manipulados dentro del drama del documental ya que la historia los va ligando hasta un momento en el que podemos llegar a saber quienes son.

Canibal Tour tambien trata sobre la nocion de "lo primitivo" y del "otro," la fascinacion por lo primitivo en la cultura occidental y la nostalgia por la inocencia del Eden dirigida en na dirreccion errónea ya que las cosas no son como parecen y esto nos hace caer en el teatro de lo absurdo.

Dennis O´Rourke basa su  fotografía encuadrando principalmente a los turistas, entonces su mirada se convierte en la mirada que se quería apresar y esto  nos hace: dejarnos de sentirnos cómodos, privilegiados y seguros; Por ejemplo Jean Baudrillard señalo que cuanto mas fieles reales y precisas parecen las imagenes, mas diablocias son. Imagenes que contaminan la realidad, la distorcionan, la amplian a gran escala y crean circuitos que esto es completamente lo que Dennis O´Rourke nos hace sentir en su documental.

La forma en que actuan los turistas es una negacion del mito de la modernidad, de pensar que todos somos iguales y pensamos como seres humanos y racionales; Los turistas básicamente 

"quieren las fotografias, y por lo tanto pagan por ellas" lo que los hace mendigos de la cultura.

Nuestra sociedad ahora globalizada se esfuerza en sonseguir ciertos objetivos, entre los cuales el beneficio destaca por encima de todos. Los Nativos enganana y sacan dinero, mientras que los pobres no sacan nada

Este documental es buenísimo es una súper critica hacia todos y hacia la sociedad pero esta súper bien hecho.