mi falso Autorretrato

The Devil & Daniel Johnston

Este documental me pareció único y realmente me gusto, no es perfecto y la construcción de este no me aprecio la mejor, aunque sin embargo la forma de contar la historia y el tema del que habla este documental realmente me hizo pensar y realmente me hizo apreciarlo.

Hablando un poco sobre mi, puedo decir que este documental me llego de alguna o de otra manera, ya que a través del tiempo he tenido muchos amigos los cuales por culpa de las drogas se pierden, pierden su identidad, su forma de pensar, actuar y ser y se quedan viviendo en un sueño surrealista de su versión de la verdad ( lo que le sucede a Daniel en este documental).

Para mi las drogas siempre han sido un problema, no las consumo y no me molestan aunque sin embargo se las consecuencias de estas y se que nunca van a llevar a nada nuevo, se que las drogas también tienen otras funciones, en algunos casos se utilizan para curar enfermedades; Sin embrago la gente que me rodea y que conozco quienes consumen solo consumen por que "supuestamente" se sienten increíble y no pueden vivir sin ellas.

Me parecio muy original la estructura del documental, me gusto mucho como esta construido por videos caseros que el personaje principal hacia y también por entrevistas a los padres, a su manager y a otras personas, aunque en mi opinión creo que los points ov view que recrean todo el tiempo, simulando lo que paso sobran ya que para mi el documental con los materiales utlizados como dibujos, grabaciones y entrevistas son suficientes.

The Devil And Daniel Johnston (Edición Coleccionista)

El pasado mes de mayo salió a la venta The Devil and Daniel Johnston, un doble dvd que nos ofrece un documental sobre el detallado retrato de Daniel Johnston, un genio artístico, maníaco depresivo y megalómano que pasó mucho tiempo desapercibido para el público.

El director Jeff Feuerzeig muestra en profundidad la figura de un gran artista, un adolescente de New Cumberland (USA) que empezó a mostrar signos de creatividad desde muy joven, grabando sus pensamientos e ideas en cinta de cassette y en pelí culas de Super 8 que él mismo protagonizaba, dando vida a diversos personajes como si de Peter Sellers se tratase.

Johnston tenía una vida llena de inquietudes, también dibujaba cómics, y se unió a una feria. Pero su familia, muy cristiana, no lo estimaba lo suficiente, no les parecía que contribuyese un papel importante en la sociedad y Daniel acabó por huir de casa hasta llegar a Austin (Texas).

Fue entonces cuando se centró en su carrera musical grabando temas folk en cintas que luego regalaba a sus fans, amigos y a los periodistas a principios de los 80. Con la ayuda de la próspera industria musical de Austin, Daniel consiguió una breve intervención en la MTV. Cuando comenzaba a hacerse famoso, sus demonios interiores empezaron a aflorar y a hacerse más evidentes en las letras de sus canciones y en sus dibujos.

Jeff Feuerzeig mezcla hábilmente imágenes actuales de Daniel con actuaciones antiguas, películas caseras y docenas de cassettes. Todo esto, unido a los testimonios de sus amigos y a las comprometidas declaraciones familiares, completa la historia de Daniel Johnston, pero serán sus canciones, entremezcladas a lo largo del metraje, las que mejor muestren la evolución de su apasionada, cautivadora e inolvidable historia.

Ahora, con 45 años, Daniel Johnston ha grabado más de 10 álbumes y entre sus mayores fans se encuentran Kurt Cobain, quien a menudo fue visto vistiendo la camiseta de Daniel Johnston, The Flaming Lips, Sonic Youth, David Bowie, Tom Waits, The Butthole Suffers, Yo La Tengo, Matt Groening, y una larga lista de conocidos nombres de la industria.

The Devil and Daniel Johnston es un retrato de locura, creatividad y amor que nos acerca la historia de un genio atormentado, maniaco depresivo, cantante y compositor.

Consigue el dvd en edición de coleccionista en Avalon Productions Una caja especial que incluirá 103 minutos de extras (Comentarios del director Jeff Feuerzeig y del productor Henry S. Rosenthal, escenas eliminadas, material filmado por Daniel Johnston, una entrevista, 3 videoclips, galería de diseños y un libreto de dibujos del propio artista, entre otras muchas curiosidades.

En mi opinión me parece que este documental es un documental muy bueno, y me gusta mucho la idea de que es algo triste, por lo que le sucede a este artista aunque también me encanta el hecho de que podemos observar a una persona que sueña y lucha para llegar a ser quien quiere ser.

Creo que este documental es un ejemplo de que por mas inteligentes y exhorbitantes que seamos, siempre tenemos que tener cuidado de los vicios para no perder la cordura.

Ben webster in Europe de Johan Van der Keuke

El paso del tiempo es algo inevitable y hay etapas en la vida en donde ya no podemos hacer todo lo que estabamos acostumbrados, entonces empezamos a recordar y a hacer enfasis en los recuerdos, ya que esto es lo que toda via podemos hacer bueno si se tiene alzheimer no pero si nuestra mente sigue bien, los recuerdos seran los que nos mantienen vivos.

La poetica y el estilo acogedor  lindo del documental hace a este filme algo increible y hermoso.

Por ejemplo tengo a un familiar muy cercano que le esta empezando a pasar esto "mi Abuelo," el tiene un problema desde hace unos años las rodillas de empezaron a fallar y fue lo peor que le pudo pasar ya que el siempre fue una perona muy activa y deportista la cual realmente disfrutaba de caminar explorar y ejercitarse, hace no mas de un año y medio lo operaron de las rodillas, le pusieron protesis de rodillas para que pudiera caminar otra vez, y por desgracia las protesis ni las terapias que toma le han ayudado y sigue caminando con una andadera; Su infelicidad es super grave por no poder caminar, aunque desde hace unos meses su comportamiento ha cambiado, ya que ahora todo el tiempo cuenta anecdotas del pasado y las puede repetir constantemente ya que como esta viviendo una apoca realmente dificil en la que se tiene que acostumbrar a ya no caminar, su mente solo retiene recuerdos pasados y no acuales ya que su inconciente lo hace mas feliz estando viviendo y recordando sus mejores epocas.

El arte de la improvisación

Tocar el cine como se toca el saxo. Fue el crítico Serge Daney el que mejor supo conceptualizar la vibrante libertad del cine de Johan van der Keuken, quien pronto comprendió que al careo con lo real, a la cita ante el Otro, no se podía acudir con apriorismos o rígidas recetas, sino con humildad y una buena dosis de valentía. Así, el holandés, en su materialista confección de formas pensantes, equilibró en la práctica cinematográfica la importancia de imagen y sonido, bandas aquí muy erógenas, que responden al menor de los estímulos del exterior: existe una estructura, una melodía, una horizontalidad presta a abandonarse por un impulso vertical, por una furia dialéctica, para, luego, quedar retomada a la espera del próximo decurso. Decurso y excurso: con su ya frágil ya brutal frotamiento pretende van der Keuken salvar, en la medida de lo posible, la distancia entre el hombre de la cámara y el hombre ante la cámara. Este cine jazzístico, fragmentario, que se expande y se contrae, se hizo explícito mediante el vínculo creativo entre Keuken y el músico Willem Breuker, pero podría tener un primer padre en el Ben Webster al que el cineasta retratara en un precioso mediometraje que documenta la estancia del músico en Ámsterdam.

Si en su última película, The long holiday (2000), van der Keuken vinculaba el periodo de asueto y viaje a su anunciado fallecimiento (esas “vacaciones prolongadas” a las que hace referencia el título francés del filme subraya mejor esta intención) a causa de un cáncer, al pequeño filme llamado Big Ben/Ben Webster in Europe (1967), bien se le podía haber llamado Las vacaciones de un jazzman. Webster, el rana, el bruto, salió a trotar el mundo, espoleado por la muerte de los suyos (la madre y la abuela), y aquí aparece varado, a la espera de lo irremediable –que no tardaría en llegar– en una Europa que lo había acogido con calor y disimulo. En el arranque de su carrera, van der Keuken empezó a ensayar el retrato de niños, primero al ciego Herman, en Blind Kind (1964), luego a la pequeña Beppie, en el filme homónimo de 1965. Dos pequeños que le enseñaron que el Otro puede ser algo más que el objeto de un filme, que éste luce más intensamente (ahí donde las palabras fallan) cuando ese Otro se hace con las riendas del mismo, inscribiendo una subjetividad que compite con la del cineasta. Y dos años después de Beppie, van der Keuken se las vio con otro niño, éste grande, el Ben Webster al que una casera, Mrs. Hartlooper, adopta y mima en Ámsterdam mientras toca el saxo tenor, filma gatos o juega al billar con sus amigos. Si la joven Beppie era “amable y malvada como un simio”, el gran Ben se asemeja a uno de los hipopótamos a los que visita periódicamente en el zoo de la ciudad, en uno de los rituales que lo hicieron famoso entre los vecinos. Webster, la memoria del jazz, el hombre que aprendió tocando con los mejores y en las mejores big bandspara luego labrarse el camino en solitario, sopla con inefable melancolía, aunque la afabilidad no le quepa en el cuerpo y la regale a todo el que se acerque. De este hombre en retirada, van der Keuken pudo aprender para el futuro militante, para cuando se especializase, como resumiría Daney, en las “miserias ocasionadas por el sistema capitalista mundial y las dolencias que acarrean al cuerpo humano”.

Aquí hay un cuerpo doliente, aunque la herida se presienta lejana y demasiado íntima para hacerla pública; espejo, como apuntábamos, del fin de la inscripción del cuerpo del cineasta en su propia obra, cuando filma para no desaparecer, pues la máquina, de tanto sostenerla a pulso, forma ya parte de su estructura ósea. Van der Keuken terminará su carrera filmando el agua hasta arribar a una abstracción disonante; a Webster también le regala aquí un plano acuático en el que se sobreimpresiona una foto de juventud del músico, una invocación que nos acerca al tiempo en su insondable virtualidad. De todas maneras, van der Keuken, Big Ben y el propio Webster, son poco fúnebres. En su último concierto, en 1973, en la localidad holandesa de Leiden, Webster finalizó la famosa actuación dirigiéndose a la entusiasmada audiencia en estos términos: “You are young and growing, I am old and going. So have fun while you can”. Dos semanas después de recordar este carpe diem escuchado en la infancia de Kansas City, el rana moría en Ámsterdam.

 

Joy división de Grant Gee

El documental de Joy Division trata la historia de un grupo musical el cual fuera de los dominios y la epoca post-industrial en decadencia de Manchestrer logro superar los estratos y las formas de pensar de las personas y de sus problemas y crearon un nuevo arte el cual evoluciono a traves del tiempo creando una nueva poesía y un nuevo estilo el cual lleno de vida de nuevo a esta hermosa ciudad.

El documental esta constituido por diferentes técnicas tales como entrevistas, relatos, testimonios, materiales audiovisuales de grabaciones piratas de conciertos y ensayos. Es súper interesante como en este documental Grant Gee quien es el narrador, participa en primera persona como uno de los protagonistas de la historia, ya que con su recopilación de información logro recrear perfectamente la historia de este grupo, sin importar que uno de los participantes principales de este ya hubiera muerto

Es interesante que este documental utiliza un guión el cual lleva la historia dandole un sentido de coherencia y también podría decir que hay personajes principales y secundarios, lo cual se me hace interesante ya que en la mayoría de documentales los personajes son solo protagonistas y en este documental los participantes son los que le dan vida a la historia.

Joy Division, de Grant Gee, un documental imprescindible

Parecía que estábamos saturados de la recuperación del grupo: películas, libros, discos y copiones han hecho tan visible el legado de los de Manchester que parecía que podríamos cansarnos de ellos. Pero no: ésta es la mejor versión de los hechos que se ha hecho hasta ahora sobre un grupo esencial. Joy Division retratados por Grant Gee, quizás el mejor DVD musical del año.

Tremendo. Gee ya había demostrado que era capaz de hacer oro con ‘Meeting People Is Easy’, su film sobre Radiohead, pero con este documental de Joy Division se ha superado. Ha roto los esquemas preestablecidos para crear un retrato vivo, con claros y oscuros y muy completo sobre la banda que más ha influido en la música de esta primera década de siglo.

La película cuenta con todos los protagonistas salvo, claro, el fallecido Ian Curtis. Están quienes formaron parte del grupo, quienes lo vieron desde la barrera y quienes contribuyeron a su implosión, amante de Curtis incluida. En esas condiciones, podría pasarle como a esas biografías autorizadas donde las aristas se han limado y todo acaba siendo anodino. Pero no: Grant Gee no cae en el error más simple, la idolatría. A él le encantan Joy Division, pero entiende que para contar su historia es necesario comprender también los lados oscuros de la banda.

Gee y Jon Savage, guionista del documental, han conseguido una película que funciona como un reloj: después de una extensa labor de documentación han conseguido entrevistas inéditas extraídas de aquellos años o filmaciones de conciertos realizadas por aficionados o fragmentos televisivos de las apariciones de la banda. Con ellas y con el relato de los supervivientes (incluso de Tony Wilson, jefe de Factory, que murió el pasado verano) el documental conforma el perfil y el relieve de la banda, pero también de la tragedia y cómo se sobrevive a ella. 

Sólo falta en escena Deborah Curtis, mujer de Ian, pero también ella está presente: se recogen sus citas para no dejar sin voz a ninguno de los actores (secundarios o principales) de la historia del grupo. También es omnipresente Manchester, la ciudad sin la cual la banda nunca hubiera creado esos parajes desolados y que, a su manera (con sus paisajes a menudo postapocalipticos, con su influencia visual), también da su versión de los hechos.

The kids are all right de Stein

El documental de "The kids are all right" es un documental que a mi parecer me parece fallido al 100%, se me hace que ni siquiera debería de estar considerado  como un buen documental y ni siquiera estar considerado de verlo en clase.

Este documental se construye por medio de entrevistas y vídeos antiguos que cuentan  la historia de el grupo Ingles " the who".

The Who: The Kids Are Alright

And the disc is all right, too.

by Andy Patrizio

October 3, 2003 - In 1975, a 22-year-old American fan of The Who named Jeff Stein approached guitarist Pete Townshend about doing a documentary on the wild band's ways. Townshend initially rejected the idea but spoke with the band's manager and decided to do it.

So Stein and his editor Ed Rothkowitz compiled 17 minutes-worth of video footage of the band's U.S. appearances, including the band's legendary 1967 appears on The Smothers Brothers show, where they trashed their gear and destroyed Tom's acoustic guitar in the process.

The band found the whole thing hilarious, so Stein persevered. He spent two years seeking funding and footage from all over the world. He acquired video from the band's Woodstock appearance and even got 8mm footage from fans.

The end result was a hilarious look at one of the craziest and most influential rock bands of the 1970s. It would premiere shortly after the death of the band's legendary drummer Keith "The Loon" Moon. Since then, it's been released on video with seven minutes of footage removed, but for this DVD release, it's all back along with a cleaned up print, Dolby Digital 5.1 and DTS soundtrack.

The disc, most definitely, is all right.

The Movie

The film opens with the band's infamous appearance on The Smothers Brothers show, performing "My Generation." They dressed like dandies and clearly lip synched, because Keith's drumming doesn't even come close to matching what he's swinging at. In the end, equipment is trashed and Keith's drum kit explodes right next to Pete, thus rendering him deaf in one ear. Actress Bette Davis fainted backstage while watching this mayhem.

From there, you have a mix of interviews and live performances, ranging from the 1960s to a special recording session in a studio in front of 500 people. Sadly, this recording would be the last performances with Moon, who would die of an overdose from the drugs he took to help him stop drinking.

- Pioneer

The Kids Are Alright DVD Menu.

The next clip is a 1965 performance of "I Can't Explain" from the British show Shindig, followed by the studio performance of "Baba O'Reilly." It's ironic that with all the footage he collected, Stein couldn't find a decent recording of The Who's most famous songs. The contrast in video quality is enormous, too, since Shindig was done in 16mm black and white film while the studio recording was done on 35mm film.

Many of the video clips are from the 1960s, so the quality is somewhat dubious. The interview segments are often better, at least in terms of appearance. Moon has some goofy interviews (well, what else would they be?) with Beatles drummer Ringo Starr, where both are blitzed during the "interview."

There's also a ridiculous segment where the band is in the studio and they let Moon sing The Beach Boys' "Barbara Ann," which ends dismally. This segment shows Moon in tough shape, as he was over 30 and overweight, his years of wild living catching up with him with interest.

- Pioneer

John Entwhistle - 1944 - 2002.

Interspersed with the Moon-acy is a lot of Pete Townshend, rock philosopher, thinking out loud on the importance of all things music. There's also one of the most famous segments ever involving the band's stoic bassist, the late John Entwhistle, where he takes down some of his gold records and uses them for skeet shooting practice.

It ends with a memorable performance of "Won't Get Fooled Again," complete with laser show. This would prove the last performance ever of the original lineup, as Moon would pass away a few months later.

If there's a complaint to be had, it's that there are too many interviews. I'd have preferred "Bargain" or "Behind Blue Eyes" rather than more of Pete's musings. Unlike Led Zeppelin, The Who would soldier on following the death of their celebrated, maniac drummer. All things considered, they probably shouldn't have. I'd much rather remember them this way than from the It's Hard album.

Score: 8 out of 10

- Pioneer

Ack! Hornet! Get it off me, get it off me!

The Video

The video is presented in anamorphic, 16:9 widescreen format with a stellar bit rate of 8.46MB/sec., and considering the source materials, it's fantastic. Obviously those 1965 black and white performances aren't going to look all that hot. That said, they don't look terrible, either.

Some of the live performances on stage were done in very poor lighting, so it's hard to see much of anything. Most of their 1970s interviews and the 1977 studio recording, in particular, look very good.

- Pioneer

Keith Moon - 1947 - 1978.

There does not appear to be any edge enhancement or ghosting around the edges. Black levels are solid is the newer clips, grainy in others. Bright colors hold up well with little grain. There are only occasional flicks of dust on the print, which shows a good clean-up job on the film.

You're not going to watch this for the video, anyway, but given the age and source material, it's quite good.

Score: 8 out of 10

- Pioneer

The RIAA catches another Kazaa user.

Languages and Audio

Obviously it's all in English. There are four audio tracks: DTS, Dolby Digital 5.1, Dolby two-channel, and a commentary track by director Jeff Stein. The audio has been remastered from the source material and it's super. It's not quite on par with the Led Zepplin DVD disc, but it's close.

As usual, the DTS track is the top performer. Some of the separation is really amazing. Pete Townshend's guitar is very strong in the right channel during some segments, because he stood on our right/stage left. But all five primary channels were cranking loud and clear. Even the LFE channel got in on the fun, adding a few touches of thump, just enough to add to the mix without diminishing it.

- Pioneer

Ringo and I decided to switch bands and see if our fans would notice.

There are some segments, particularly "Young Man Blues" (which Stein found in a trash container) where the audio distorts, and pretty badly. In this instance you are better off switching to the Dolby Digital track, because the distortion is less pronounced.

A day with the Boys de Clu Gulager

"A day with out the boys" es un cortometraje poético-experimental muy interesante ya que no solo tiene una estética perfecta, sino que en 18 minutos de duración que tiene el filme el director Clu Culager logra contar una historia la cual va ligada perfectamente en imagen-sonido y crea una estética perfecta para contar la historia lineal de este corto-documental-experimental.

Es impresionante como el cortometraje logra su punto principal de expresar una historia, sin diálogos ni narrador, solo música que liga la historia con un estilo poético a la perfección que nos hace entrar en el mundo fantastico que Clu Culager creo.

Reseñas sobre el documental

"An artist is an artist is a failure," he says. "All artists are constant failures - that's the only way their art can continue. If they ever feel their art succeeds, write them off, they're finished as artists! So, we are constant failures. And maybe it's good that I try to start a project, screw it, stop it, start another one, try to sell it, can't, start, stop, go - on and on. And maybe strength comes from failing." 

Maybe. Clu had finished a short subject in 1969, called A Day With the Boys. Shot with backing from Universal Pictures' Sid Sheinberg, the movie follows the dawn-to-dusk adventures of a pack of preteen boys as they roam through fields, slide down grassy hills on pieces of cardboard and eventually enlist the company of a businessman/establishment figure - whom they roll into a pit and bury. The final scene is of the boys frolicking naked in a lake, their bodies glistening in the warm twilight. 

This film, which features a 12-year-old John Gulager and was shown at Cannes, has no dialogue but is told through the lush cinematography of Laszlo Kovacs, who was about to become famous with his work on Easy Rider. Although some parts of it may seem dated today, A Day With the Boys remains a strong entry by a promising filmmaker. 

Sherman's March de Ross McElwee

Ross McElwee es un cinesta de la corriente de  cinema vérité -- sus documentales son únicos, muy realistas y expone temas sin importar que alto sea el grado de estos.El siempre es el tema principal ya que sus documentales siempre son biográficos, algunas veces explicativos a lo que me refiero es que ver su documentales es como estar viendo un reality show de una persona rica la cual hace vídeos caseros. 

Utiliza técnicas como la  cámara subjetiva, ya que lo que quiere que veamos es lo que el ve, tratando de hacer su estilo de cine una mirada profunda hacia las situaciones que se plantean.

Entrevista con Ross McElwee

MovieMaker: Adrian is obviously a large part of your life now. How has he affected your work?

Ross McElwee: Having a son has affected MY work, but it has also informed my work in that it's given me a new dimension in thinking about life. I can't help thinking about life in a whole other way. You feel a responsibility for a small child, but it also makes you think about the meaning of life and moving on from generation to generation. It's affected the way I think about film and making films and on a more mundane basis, it's caused me to slow down my pace a bit and adapt my schedule to a life that requires that I spend a certain amount of time with my son, not making films.

MM: You're still working, though. What is your current project?

RM: I've got a two hour cut of a film that's tentatively called Six O'Clock News. It's another autobiographical documentary whose modus operandi is that I go to various cities with a VCR, initially, and just tape local news shows until something of interest comes up, some person whose story, however brief, seems interesting to me. I then go find that person and film my interaction with that person over a couple of weeks. The resulting film will be a mosaic of these little video snippets along with filmed interactions.

The staple of the six o'clock news is, of course, catastrophe, disaster, and tragedy. The film director/protagonist in this case looks through the window of the six o'clock news and sees a very frightening world out there. The tension that I hope I can build into the structure of the film will be created by juxtaposing the filming that I did of my son in his first six months with the window of the six o'clock news out into this frightening and bizarre world.

Time Indefinite was to have been the prologue to this film and it grew to become a separate, feature film because it was clear that I was about to find myself with a four-hour epic on my hands that would have undistributable.

MM: What is the connection between the two films?

RM: The continuity was that those deaths that occurred in Time Indefinite had a profound effect upon me, as they would have had upon any person. Six O'Clock News was a way I could look out and see that, in fact, catastrophe strikes everybody, or certainly very many people. It was originally to have been accompanied by looking over and looking out of the television, but there was no way to compress it into a watchable amount of time. Maybe when I was younger I would have said, "To hell with it, I'm going to make a four-and-a-half hour film and I don't care if anybody sees it." I don't feel that I can really afford to do that anymore.

MM: When you made your first film, Charleen, did you have an "I really don't care if anyone ever sees this attitude?"

RM: Well, I made it as best as I could as a film, as a documentary, and just assumed that people would want to see it if I made a good film. That's still pretty much how I operate.

MM: How does the fact that you now have an audience for your films affect your work?

RM: They expect me to keep on doing what I'm doing and as long as I enjoy what I'm doing, there's no conflict. Charleen isn't as groundbreaking, if you can use that phrase, as later films that I made, so it wasn't as if I was free to take more risks in Charleen than I was in my subsequent work. It wasn't until later that I really started to discover the ways in which I wanted to make films.

MM: When you film, do you just show up with your equipment, or do you call people ahead of time and let them know that you're coming with a camera?

RM: The latter. I never try to ambush people with the camera. In Sherman's March there were some ambushes that we did that were cut out of the film. There was a furniture store that I filmed in and the owner was being really obnoxious to the woman who worked there. She was going to quit that day, so I just showed up with the camera and he kicked us both out of the store and I filmed the whole thing. That was great, it was a really good scene and I had no ethical qualms about doing it. Everybody else I felt connected to in Sherman's March, Time Indefinite, Charleen and Backyard, were my friends and family so I always gave them warning, saying "unless you tell me not to, I'm going to have the camera."

MM: Don't your family and friends consider your filming intrusive?

RM: Yes, but they put up with it. It's strange, but it's now harder for me rather than easier as the years go on.

MM: Why is that?

RM: Because you start to value your time with people a lot more and you don't want to impinge upon them with the camera. There's always that struggle.

MM: In Sherman's March, Charleen tells you to "stop hiding behind that camera!" To what extent were you hiding?

RM: Well, of course, that's the whole notion behind cinema verite, that you can remain a silent observer behind the camera. There's a lot of truth to that. I think that I was playing with the irony of that notion in Sherman's March. That's clearly part of what the filmmaker's doing, he's hiding behind the camera. He's gotten scalded by life, his lover left him and so he retreats into the mollusk shell of his camera and pokes his head out now and then. It's meant to be somewhat obvious and somewhat humorous. I think that there's also some truth, at least for me, that when life has been rough I've taken some solace in simply ceasing to try to understand it and simply recorded it, collect it, and store it away for future analysis.

MM: Would you have asked questions about your father's death if you hadn't been filming?

RM: It would have been different, in some way less formal, perhaps.

MM: If you weren't looking for answers, perhaps asking the questions was a way of working through your feelings about his death.

RM: Perhaps. I had to ask the question to ask it, maybe, and not so much because I needed an answer. I think that in the South there is a great tendency to not discuss these matters and I wanted to challenge that a bit, as well.

MM: Did you learn what you needed to?

RM: I was quite startled that my brother, in fact, didn't know how my father died exactly. I'd assumed he would have the answers to these questions for me because he was a doctor and also because he had been at home in Charlotte where my father had died when I was up in Boston. I thought that he would have more information for me, but in some ways, maybe I should have known better. In Backyard, which is a short, forty-minute film that I made about my family, I asked my brother about how my mother died and he also didn't know the answer to that. I'd assumed he would know, but he didn't. So, fifteen years later the question and answer repeated themselves. MM